Sinfonía n.º 35 (Mozart)
La Sinfonía n.º 35 en Re Mayor, K. 385, conocida como "Haffner" es una sinfonía compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1782 en la que se observa la evolución de la sinfonía clásica.
De hecho, es la primera sinfonía que compone lejos de Salzburgo, de su familia, del arzobispo y de los ciudadanos de Salzburgo entre los que se sintió "imposibilitado de probar con libertad."
Desde 1780 Mozart no había compuesto otra sinfonía.
A mediados de julio de 1782, Leopold Mozart le escribió a Wolfgang Amadeus Mozart pidiendo una nueva sinfonía para las celebraciones por la obtención de títulos nobiliarios de Sigmund Haffner(el Joven), amigo de infancia de Wolfgang.
Mozart volvió a trabajar en las partituras de la KV 385 para un concierto en Viena, eliminando las repeticiones del primer movimiento, y añadiendo un par de flautas y clarinetes en el primer y último movimiento,
primordialmente para reforzar los "tutti".
La obra consta de cuatro movimientos:
I. Allegro con spirito.
II. (Andante).
III. Menuetto.
IV. Finale (Presto).
Diferentes versiones de la Sinfonia:
1) Director Bernard Haitink
Chamber Orchestra of Europe. 1997
Sobre la Orquesta
Orquesta de Cámara de Europa
(en inglés: Chamber Orchestra of Europe, COE), es una orquesta de cámara creada en el año 1981 con sede en Londres. La orquesta está formada por alrededor de 60 miembros provenientes de toda Europa. Los intérpretes tienen carreras paralelas como solistas internacionales, miembros de eminentes grupos de cámara y como tutores y profesores de música. La orquesta recibe apoyo financiero de la Comisión Europea y The Gatsby Charitable Foundation;1 no tienen un local fijo como sede y ningún director residente nombrado.
Historia[editar]
La idea para la COE provino de músicos en la Joven Orquesta de la Comunidad Europea, con miembros que habían superado la edad límite para la ECYO y que querían continuar trabajando juntos en un contexto de orquesta de cámara. Entre los miembros fundadores están el oboísta Douglas Boyd, quien sirvió como principal oboísta de la COE desde 1981 hasta 2002. A lo largo de los años la COE ha desarrollado fuertes relaciones con Claudio Abbado, Bernard Haitink y Nikolaus Harnoncourt, junto con Thomas Adès, Pierre-Laurent Aimard, Vladímir Ashkenazy, Emanuel Ax, Lisa Batiashvili, Paavo Berglund, Herbert Blomstedt, Semión Bychkov, Renaud y Gautier Capuçon, Ivan Fischer, Thomas Hengelbrock, Vladímir Yúrovski, Leonidas Kavakos, Yannick Nézet-Séguin, Sir Roger Norrington, Sakari Oramo, Maria João Pires, András Schiff y Mitsuko Uchida.
La COE interpreta regularmente en las principales ciudades de Europa, con visitas ocasionales a los Estados Unidos, Hong Kong, Japón y Australia. La COE tiene fuertes enlaces con la Alte Oper en Fráncfort, el Festival Styriarte en Graz, el Festival de Lucerna, la Fundación Calouste Gulbenkian en Lisboa, así como la Philharmonie en Colonia, la Cité de la musique y la Salle Pleyel de París, el Concertgebouw en Ámsterdam y la Ópera de Dijon. En 2007, la Unión Europea nombró a la COE como Embajador Cultural en su Programa Cultural. La COE creó la Academia COE en 2009 para proporcionar oportunidades a estudiantes musicales con talento para estudiar con músicos de la COE.
La orquesta ha hecho más de 250 grabaciones comerciales para diversos sellos con diferentes directores, entre ellos Claudio Abbado,2 Paavo Berglund,3 Nikolaus Harnoncourt,45 and Thomas Hengelbrock.6
2) Director Sir Antonio Pappano
Orchestra of the Academy of Santa Cecilia. Roma
Sobre el Director
Antonio Pappano
(n. Epping, del distrito de Epping Forest,en Inglaterra, 30 de diciembre de 1959 ) es un director de orquesta y pianista británico de ascendencia italiana.
Actualmente es el director titular de la Opera Real Covent Garden, de Londres, y de la orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, de Roma.
Su familia es originaria de Benevento en Italia, nacido en Inglaterra se mudó a Connecticut a los 13 años de edad.
Fue asistente en la New York City Opera y el más joven director en la historia de la orquesta del Covent Garden, a los 21.
Sirvió como director general del Teatro de la Monnaie entre 1992 y 2002, año en el que se hizo cargo de la dirección de Covent Garden londinense. Fue asistente de Daniel Barenboim en el Festival de Bayreuth, donde después dirigió Lohengrin entre 1999 y 2001.
Desde el 2005 es también director de la orquesta de la Academia de Santa Cecilia romana, dirigiendo además la Cleveland Orchestra, Orquesta Filarmónica de Berlín, London Symphony Orchestra y otras prestigiosas entidades.
En el 2008 fue condecorado Commendatore Ordine al Merito della Repubblica italiana
Está casado con Pamela Bullock.
Sobre la Orquesta
Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia
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(en italiano: Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia) es una agrupación orquestal italiana con sede en Roma y vinculada a la Academia Nacional de Santa Cecilia.
Historia[editar]
A lo largo de su historia, la orquesta ha recibido varias denominaciones, como Orquesta Sinfónica del Augusteo (por el Teatro Augusteo, primera sede de sus conciertos de abono) o también Orquesta Estable de la Academia Nacional de Santa Cecilia (Orchestra Stabile dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia). Aparte del Teatro Augusteo (donde tuvo sus conciertos entre 1908 y 1936), tuvo su sede en el Teatro Adriano de Roma entre 1936 y 1950, el Auditorium di Santa Cecilia de la Via della Conciliazione(1958-2003) y, a partir de esta fecha, mantiene su temporada sinfónica en el Auditorium Parco della Musica, construido en Roma por el arquitecto Renzo Piano.
La orquesta ha tocado bajo la batuta de grandes compositores y directores, como Mahler, Debussy, Richard Strauss, Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Arturo Toscanini, Wilhelm Furtwängler, Victor de Sabata o Herbert von Karajan. De 1983 a 1990, Leonard Bernstein fue presidente honorífico de la orquesta.
Estrenos[editar]
La orquesta ha realizado numerosos estrenos, especialmente de compositores italianos. Entre otras, estrenó los poemas sinfónicos de Ottorino Respighi Fontane di Roma y Pini di Roma. De Arvo Pärt estrenó Cecilia, vergine romana en un concierto dirigido por Myung-Whun Chung el 19 de noviembre de 2000.
Directores[editar]
- Bernardino Molinari (1912–1944)
- Franco Ferrara (1944–1945)
- Fernando Previtali (1953–1973)
- Igor Markevitch (1973–1975)
- Thomas Schippers (1976-1983)
- Giuseppe Sinopoli (1983–1987)
- Uto Ughi (1987–1992)
- Daniele Gatti (1992–1997)
- Myung-Whun Chung (1997–2005)
- Antonio Pappano (2005– )
3) Nathalie Stutzmann Conductor
Swedish Chamber Orchestra. 2013
Sobre la Directora
Nathalie Stutzmann
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(Suresnes, Francia, 6 de mayo de 1965) es una contralto y directora de orquesta francesa especialmente destacada en el ámbito camerístico y barroco y particularmente apreciada por su voz cavernosa y potente.1
Estudió en Nantes y en París con Michel Senechal, Hans Hotter y Lou Bruder, debutando en 1985 en el Magnificat de Bach.
Sus grabaciones como Liederista de Schubert - entre ellas el Winterreise escrito para voz masculina-, Mahler,2 Brahms, Debussy, Fauré3 y los cinco volúmenes dedicados a los ciclos de Schumann han ganado importante premios y reconocimiento internacional así como sus participaciones en ópera como Orfeo, Principe Orlovsky en Die Fledermaus, Erda en El oro del Rhin de Wagner y óperas de Handel y Vivaldi.
Desde 1994 trabaja con la pianista Inger Södergren en recitales4 y grabaciones.
Ha trabajado con directores como Mark Minkowski, John Eliot Gardiner, Simon Rattle y Seiji Ozawa en la Berlin Philharmonie, Staatskapelle Dresden, Bayerische Rundfunk Munich, Boston Symphony Orchestra, Orchestre de Paris, London Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Tokyo Philharmonic, Les Musiciens du Louvre, The English Baroque Soloists, etc.
En 2009 creó su propia orquesta de cámara, Orfeo 55, con la que ha grabado su primer disco como cantante y directora, Prima donna, dedicado a obras de Vivaldi. Con este grupo y este programa actuó en abril de 2011 en la Semana de Música Religiosa de Cuenca.5
Ha recibido la Legión de Honor del gobierno francés.
Sobre la Orquesta
Orquesta de camara sueca
La Orquesta de Cámara de Suecia ( Swedish : Svenska kammarorkestern ) es una orquesta sueca con sede en Örebro . Establecida bajo su nombre actual en 1995, su sala de conciertos principal es la sala de conciertos Örebro .
El conjunto histórico precursor de la orquesta incluía la Harmonic Society (Harmoniska sällskapet), que estuvo activa desde 1831 hasta 1837. En 1859, la Philharmoniska sällskapet (Philharmonic Society) se fundó bajo Karl Johan Lewerth. Una organización competidora, Örebro musikförening Philomele (Örebro Music Association Philomele), se fundó en 1868 y continuó sus operaciones hasta 1916. En 1909, la Örebro orkesterförening (Örebro Orchestra Association), como una orquesta amateur. El conjunto comenzó a recibir apoyo del municipio de Örebro en 1912. El compositor Ingvar Lidholm asumió un puesto de liderazgo con el conjunto en 1947. En 1950, cuatro músicos de banda de tiempo completo se unieron a la orquesta.
En 1955, la organización se transformó en una fundación municipal bajo el nombre de Örebro orkesterstiftelse (Fundación de la Orquesta de Örebro). Músicos adicionales, tanto profesionales como músicos militares, fueron reclutados para el conjunto. En 1962, se estableció formalmente el Örebro kammarorkester (Orquesta de Cámara de Örebro). En 1977, se produjo una nueva reorganización para formar el Örebro symfoniorkester (Örebro Symphony Orchestra), como un conjunto profesional. Paralelamente, el Örebro orkesterförening reanudó sus operaciones como una orquesta amateur.
En mayo de 1995, la reorganización más reciente combinó la Orquesta Sinfónica de Örebro y la Orquesta de Cámara de Örebro en un solo conjunto, la Orquesta de Cámara Sueca. Thomas Dausgaard se convirtió en el primer director de orquesta del nuevo conjunto en 1997. Nikolaj Znaider fue el director invitado de la orquesta durante tres años, de 2009 a 2012. Dausgaard tiene previsto concluir su dirección como directora de orquesta después de la temporada 2018-2019. y posteriormente tomar el título de director laureado con la orquesta. En mayo de 2017, la orquesta anunció el nombramiento de Martin Fröst como su próximo director principal, vigente en la temporada 2019-2020, con un contrato inicial de 3 temporadas. [1]
Karin Rehnqvist fue compositora en residencia con la orquesta desde 2000 hasta 2004. La orquesta ha grabado comercialmente para sellos como BIS Records , Simax, Naxos Records e Hyperion Records . [2] [3]
Conductores y músicos en posiciones de liderazgo
- Adolf Andrén (1909–1917)
- Viktor Fritzell (1917–1918)
- Josef Lind (1920–1930)
- Nils Höglund (1930–1939)
- Gunnar Marcusson (1939–1945)
- Olgerts Bistevins (1945–1946)
- Ingvar Lidholm (1947–1957)
- Rune Larsson (1957–1968)
- Lennart Hedwall (1968–1974)
- Göran W Nilson (1974–1981)
- František Vajnar (1981–1983)
- Göran W Nilson (1983–1993)
- Thomas Dausgaard (1997-presente)
4) Seiji Ozawa Conductor
Mito Chamber Orchestra
Sobre el Director
Seiji Ozawa
(en japonés: 小澤 征爾 Ozawa Seiji; Hoten (Shenyang), Manchuria (Manchukuo), 1 de septiembre de 1935) es un director de orquesta japonés. Es particularmente conocido por sus versiones de obras postrománticas para gran orquesta.
Estudió en la Escuela de Música Toho Gakuen en Tokio graduándose en 1959 antes de viajar a Europa para continuar sus estudios. Charles Munch llevó finalmente a Ozawa a los Estados Unidos para que tomase lecciones en el Centro de Música de Berkshire (hoy Tanglewood). Ganó una beca para estudiar con Herbert von Karajan y la Orquesta Filarmónica de Berlín, y en 1961 fue nombrado director asistente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York por Leonard Bernstein. Fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Toronto entre 1965 y 1970, de la Orquesta Sinfónica de San Francisco entre 1969 y 1976, y de la Orquesta Sinfónica de Bostonentre 1973 y 2002. Desde entonces y hasta 2010, ha sido director musical de la Ópera Estatal de Viena. El 1 de febrero de 2006, la Ópera Estatal de Viena anunció que Ozawa iba a cancelar todos sus contratos de 2006 debido a su enfermedad. Tal como se anunció, sufría una infección bronquial. Aparentemente, su visión fue afectada. Regresó al podio el 7 de agosto de 2006, en un clima variable, recibiendo generalmente críticas favorables.
Por una grave enfermedad, a partir de comienzos de 2010 Osawa no ha podido dirigir conciertos en público. A finales de ese año tuvo un concierto con la orquesta Saito Kinen, para a continuación retirarse de nuevo a recibir tratamiento. En el 2013 retornó a su labor como director.1 El 1 de octubre de 2016, en el Suntori Hall de Tokio, dirigió con gran éxito a la Filarmónica de Viena en un concierto para conmemorar los 30 años de las giras de esta agrupación a la capital nipona.Estudió en la Escuela de Música Toho Gakuen en Tokio graduándose en 1959 antes de viajar a Europa para continuar sus estudios. Charles Munch llevó finalmente a Ozawa a los Estados Unidos para que tomase lecciones en el Centro de Música de Berkshire (hoy Tanglewood). Ganó una beca para estudiar con Herbert von Karajan y la Orquesta Filarmónica de Berlín, y en 1961 fue nombrado director asistente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York por Leonard Bernstein. Fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Toronto entre 1965 y 1970, de la Orquesta Sinfónica de San Francisco entre 1969 y 1976, y de la Orquesta Sinfónica de Bostonentre 1973 y 2002. Desde entonces y hasta 2010, ha sido director musical de la Ópera Estatal de Viena. El 1 de febrero de 2006, la Ópera Estatal de Viena anunció que Ozawa iba a cancelar todos sus contratos de 2006 debido a su enfermedad. Tal como se anunció, sufría una infección bronquial. Aparentemente, su visión fue afectada. Regresó al podio el 7 de agosto de 2006, en un clima variable, recibiendo generalmente críticas favorables.
Características[editar]
Ozawa también ha apoyado la música del siglo XX, ofreciendo los estrenos de varias obras entre ellas San Francisco Polyphony de György Ligeti y la ópera Saint François d'Assise de Olivier Messiaen en 1983.
En 2002, dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena, al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena.
Ozawa es notable por poseer una especie de memoria fotográfica, gracias a la cual es capaz de memorizar las partituras de obras inmensas como las sinfonías de Gustav Mahler.[cita requerida]
Ozawa se hizo famoso no sólo por su estilo de dirigir, sino por su atuendo: en ocasiones, cambiaba el traje tradicional (camisa almidonada, chaleco y corbata) por un jersey de cuello alto blanco.
Poseedor de un estilo de dirección muy heterodoxo, Ozawa se ha destacado como un director hábil, de gran ingenio y con un profundo conocimiento de las estructuras de las obras a ejecutar. Cuanto más grandes e imponentes son las masas sonoras y los colectivos empleados para su ejecución, más parece estar Ozawa en su elemento. El maestro nipón suele organizar con incansable agilidad acontecimientos sonoros excesivos, subrayando con gestos vivos los impulsos dramáticos de esas piezas. Su estilo interpretativo presenta una gran perspicacia y sexto sentido que le hace encontrar los más nimios detalles. A nivel operístico, Ozawa procura destacar las impresiones fuertes aunque, con la debida elegancia, sabe cuándo ha de contenerse y cuándo ha de estar más presente. En muchas ocasiones se ha criticado que su extenso repertorio se ha basado en una memoria prodigiosa para retener las partituras que ha provocado que algunas de sus lecturas sean superficiales y carentes de esencia musical. Con todo, el extenso y brillante período de Ozawa al frente de la Orquesta Sinfónica de Boston, cuyo tradicional repertorio afrancesado supo ampliar, le da derecho a ocupar uno de los más altos escalafones de la dirección orquestal de la segunda mitad del siglo XX.2 Seiji Ozawa puede ser considerado como el Eugene Ormandy japonés por su minuciosidad, clarificación y desmenuzamiento de cualquier partitura. Ozawa siempre se ha mostrado como un director rapsódico que puede abrillantar muchas de sus lecturas con ráfagas de intensa expresividad no siempre convincentes.[cita requerida]
Durante sus últimos años en Boston se le criticó su indolencia e inseguridad, al tiempo que la prensa se cebó con él por su nula predisposición a aprender inglés con corrección tras más de treinta años de estancia en los EEUU. Por si esto no fuera poco, muchas de sus grabaciones discográficas resultaron un fracaso comercial y la casa Philips tuvo que modificar su contrato. La frase de Simon Rattle tras un concierto en Boston — “Esta orquesta ya no es lo que era” — exacerbó los ánimos hasta el punto de que Ozawa se vio casi obligado a salir por la puerta de atrás en Boston tras más de 29 años de continuados servicios. Pero Ozawa supo rehacer su carrera y ha seguido manteniéndose como una de las figuras más requeridas y cotizadas por las orquestas de mayor prestigio.[cita requerida]
Sobre la Orquesta
Orquesta de Cámara de Mito
La Orquesta de Cámara de Mito ( MCO) es una orquesta de interior japonesa exclusiva del Museo de Arte Mito en la ciudad de Mito , Prefectura de Ibaraki . Además de los principales intérpretes japoneses que también actúan como solistas, son miembros los músicos de una sola línea, incluidos los extranjeros.
Descripción general [ editar ]
Se estableció al mismo tiempo que la apertura en 1990, como la orquesta exclusiva del Museo de Arte Mito, defendida por el primer director, Hidekazu Yoshida . Realizamos conciertos regulares cuatro veces al año en el cajero automático del Mito Art Center Concert Hall . El concierto regular consta de cuatro pilares: un concierto de Seiji Ozawa, un concierto de un director invitado, un concierto con un solista y un concierto de miembros sin un director.A partir de mayo de 2011, hay 81 conciertos regulares. Los conciertos regulares generalmente se realizan en la misma canción durante 2 o 3 días, así como en giras nacionales y en el extranjero.
Además, en respuesta al Gran Terremoto de Japón Oriental que tuvo lugar el 11 de marzo de 2011, se llevará a cabo un concierto benéfico el 10 de julio de 2011 en Suntory Hall en Tokio el 10 de julio de 2011. La Orquesta Filarmónica de Sendai tiene un gran impacto en las actividades, incluida la reparación de instrumentos musicales en un club de bandas de música afectadas por el terremoto en la ciudad de Mito y los municipios circundantes, así como los graves daños causados por el terremoto y el tsunami. Hizo una donación para apoyar el proyecto. El 18 de enero de 2012, Horiden donó la tuba como representante de la banda al club de bandas de música de la Escuela Primaria Sanno en la ciudad de Mito. También donamos marimba , cajas y cuernos altos a las escuelas primarias cercanas. [1]
Ejecutante [ editar ]
| Vn | Vla | Vc | Cb | Fl | Ob | Fg | Hr | Timp | |
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Miembro | Aki Akira * | Edo Junko | Uemura Noboru | Hiroshi Ikematsu | Shigenori Kudo □ ※ | Philippe Tundul | Dag Jensen | Radek Baborak | Roland Altman |
| Polilla | Kawasaki Yosuke | Masao Kawasaki ※ | Haruo Atsuo □ | Masayuki Sakurai △ | |||||
| Polilla | Kubota Takumi | Kawamoto Yoshiko | Ryosuke Hori ※ | ||||||
| Polilla | Naoko Tanaka ※ | Tienda de la tienda del pueblo □ | Keiko Matsunami | ||||||
| Polilla | Toyosu Taisuke | Morin gallagher | Universidad de miyata | ||||||
| Polilla | Shizuka Nakamura | ||||||||
| Polilla | Numa Numa | ||||||||
| Polilla | Hori Den ○ | ||||||||
| Polilla | Watanabe Kazuko | ||||||||
| Polilla | Shimada machiko |
No hay un maestro de conciertos o un sistema de jugadores superiores. No hay distinción entre los violines 1 y 2, y el arreglo cambia cada vez de acuerdo con la canción. Además, hay un ligero cambio en el rendimiento para cada actuación, y hay muchos casos en los que un director invitado conduce (en el caso de Merkuru de Lyon, etc.). Aunque no son miembros, Naoko Yoshino de Harpo y el piano Noheiichiro han coprotagonizado o colaborado todos los años.
Equipo conductor [ editar ]
El asesor y director de música es Seiji Ozawa , y ha aparecido casi todos los años. En el pasado, Hiroshi Wakasugi conducía con frecuencia. Ozawa y el asociado-en-una- clase-asociado-merkuru debutaron en 2004 y fueron aclamados. Luego, en 2006, 2008, 2009 y en el podio, se ha convertido en el único habitual en los últimos años (se anunciará en 2010). Otros maestros de la música de cámara como Jean-François Payar , Rudolf Balshy , Ton Koopman y Trevor Pinnock están en el escenario. Básicamente, puedes jugar sin un conductor y la mitad del año actuarás sin un conductor. En 2008, Seiji Ozawa planeaba liderar una gira europea, pero Ozawa se retira debido a una enfermedad repentina. Después de eso, Ozawa no tuvo más remedio que tener a Zubin Mehta , Daniel Barenboim , Ricardo Muti , Pierre Boulez , Christoph Eschenbach, etc. sustituto de él. Hay una anécdota que dio lugar a (pero la canción de Hosokawa Toshio salió con el comando de Radek Baborak ).
Repertorio
Aunque el lugar y la organización son limitados, están ampliamente cubiertos. Hay muchas canciones pequeñas en el centro de la música clásica, pero cuando Ozawa y Merkle tiemblan, Maurice Ravel , Claude Debussy , Richard Strauss, etc. son frecuentemente aceptados y no hay excusa para la expansión del repertorio. También hay muchos acompañamientos, como conciertos, y él toca super-larges como Ian Bostridge. Hay muchas grabaciones de CD, y se lanzan sin Ozawa, Balshy, conductor, etc. La selección de música es decidida por los integrantes de la orquesta.
Analisis de la Sinfonia
Por Thomas Bryla. 11 de Marzo,
2013
1. Allegro con Spirito
El primer movimiento consiste en su orquesta
completa con vientos dobles ( donde por ejemplo flauta 1 toca las partes
solistas y las notas mas agudas , y la flauta 2 toca el acompanamiento y las
notas mas graves,etc. ), timbales y cuerdas.
Notese el números de las cuerdas.
Es el tamaño típico para el que Mozart realizaria
sus obras.
Mozart fue un maestro de lo liviano contra lo
pesado.
Como se puede ver en los primeros 5 compases es
donde se presenta el tema. Todos los instrumentos de viento, viola, violonchelo y
bajos tocan el tema tal como es, pero en lugar de hacer que los violines hagan
lo mismo, los deja tocar a una octava debajo para agregar pesadez.Sumado a eso,
tocan en la nota Sol-cuerda como en una nota Re-cuerda abierta,
El compas 1 es, por lejos, la barra más
orquestada de el comienzo.
Luego cambia entre liviano y pesado en estos 5
compases y durante todo el movimiento.
Aun en los metales: en los primeros 3 compases tenemos a las trompetas tocando unisono y a las trompas tocando una octava mas grave ( las trompetas suenan una segunda arriba y las trompas una septima debajo ).
En los proximos 2 compases se agrega una octava donde en la octava del medio se combinan las trompetas y las trompas siendo ejecutados por uno de ambos.
Esto cambia el sonido en las grabaciones.
Durante la sinfonia el solo usa fuerte y piano.
Se escuchan los cambios entre pesado y liviano en el resto del movimiento.
El Metal natural estaba disponible en la época de
Mozart.
En los primeros 5 compases, observe cómo con solo
dos notas diferentes (que tocan Re y La) el sonido del Metal acompaña la
melodía de manera homo-rítmica.
En los compases 7 y 9, el intenta condensar el
movimiento de todas las partes que lo acompañan y vea cómo Mozart deja espacio
para las notas suspendidas en la melodía de los primeros violines.
Compas 13 y los siguientes 6 compases.
Al principio los clarinetes y los fagotes comienzan
la misma melodía que abrió la pieza.
En esta pieza los violonchelos y los bajos se están
duplicando literalmente, algo típico de la música clásica, con los fagotes
duplicándose literalmente el 98% del tiempo.
Ahora tenemos 6 sistemas que tocan la misma melodía
de 13 a 18. La viola irrumpe en la fiesta a la mitad del compas 13 para
procurar mantenerse con los demás.
Una forma de empujar rítmicamente el ritmo de la
entrada melódica sin hacer una nueva entrada melódica.
Entonces 6 compases de melodia con 4 compases de melodia arriba.
Flautas, oboes y primeros ( violines ) comienzan la misma melodia 2 compases después.
Esto resulta en un sentido canonico donde la melodia apenas se acompaña a si misma en terceras, ya que la melodia es "solo" una escala de Re Mayor descendiendo.
De nuevo la entrada de los primeros violines hacen el mismo sentido -"pesado" que hicieron en la primera pagina.
Segundos violines.
Ellos tocan tremolos - pero - son de semitonos.
Entonces hay un acento en 1 y 3 para continuar el enfasis que comenzaron las violas en el compas 13.
6 violinistas tocarian esta linea, pero no las 6 notas.
Para mantener la fuerza ellos hacen lo mismo como en la primera nota de la obra - tocan 2 cuerdas - 12 notas.
Y no solo tremolo - un tremolo moderado.
Veamos a los timbales en el compas 13 y comparemolos con los segundos violines para ver la diferencia, tenemos hasta semicorcheas a traves de todo hasta el final.
Veremos antiguas versiones remarcar el redoble de timbal con una seńal -tr como el que esta en las maderas y las cuerdas en el compas 18.
Sin embargo esta señal esta reservada para alternar alturas, mientras que las 3 rayitas representan repeticiones sucesivas.
Si prestamos atencion a los metales y timbales vemos un fuerte pedal en Re todo a traves hasta el final.
1d
Las trompas estan tocando a una octava mas grave y por lo tanto tiene el gran peso de los metales mientras las trompetas altas pueden mantener la fuerza.
Entonces tenemos una conduccion ritmica compuesta de pesados ritmos en los compases 14 y 16 interrumpidos por forsozos ritmos en los compases 15 y 17.
Para mantener una forma de posicion baja para las trompetas y para darle un golpe extra, los timbales tocan el mismo ritmo junto con las trompetas.
Todo colisiona en el compas 18 donde todos los 5 sistemas tocan el ritmo.
Asi es como Mozart construye sus Fuerte.
Movimiento hacia Adelante. (Compas
20).
1) Escalas en vientos de madera y cuerdas
inferiores.
2) Figuraciones de dos notas en escalas en
cuerdas altas
3) Ritmos en Metal y timbales.Si empezamos con
las cuerdas altas que llevan la melodía aquí, veremos que todas las corcheas
son solo una escala descendiendo (Sol, Fa #, Mi, etc.) mientras que todas las
demás están un paso por encima de la nota anterior.
Una especie de retroceso de la escala.
Es facil ver lo que los vientos de madera altos
hacen, tocan todas las corcheas de la melodia - para una puntuacion melodica.
El fagot, el violonchelo y el bajo a menudo
tocan lo mismo.
Aquí ellos - y las violas - tocan en terceras
con los vientos fuertes.
Una cosa importante a tener en cuenta sobre
estas corcheas es el cambio de octava en 3 voces.
Las 3 cambian en un tiempo de corchea de manera
de no acentuar el pesado tiempo fuerte dentro del compas sino mantener el
movimiento hasta el tiempo fuerte del compas 21.
El primer oboe 1
marca la tercera del acorde dominante (Do # en La 7) al enfatizar el tono
positivo que lo precede. y la siguiente flauta 2 y violas nos ponen en marcha
para las últimas 3 corcheas que nos llevan a casa a 1.
Este efecto se
denomina movimiento hacia adelante y se trata de llevar a 1 en lugar de
comenzar desde 1.
Por último, tenemos
el ritmo: observe en el audio cómo el sonido del Metal es compatible con las
corcheas, mientras que el motivo rítmico del tema de apertura en los timbales
ayuda al ritmo de esta sección.
Un desacuerdo, algo divertido sucede en los compases 24-26, es un desacuerdo.
No se de donde comienza pero mi edicion Dover de esta sinfonia dice que los fagots tocan lo mismo que los cellos, mientras que la edición de Eulenburg dice lo que está escrito aqui.
Las orquestas tocan ambas ediciones.
Chequear grabaciones diferentes y escuchar como las 2 versiones hacen 2 situaciones muy diferentes.
En esta edición se notara que las partes unisonos del fagot llevan una liviana sombra de las pesadas 3 octavas de las líneas de las cuerdas ( escritas en el estilo de movimiento hacia adelante ) lo cual tiene un gran sentido desde que Mozart entonces divide el peso entre una pesada y natural blanca, y otra blanca mas liviana.
La primera mitad no solo es apoyada ritmicamente por las trompetas sino también por los metales, el cual se detiene en el compas 3 haciendo la ultima mitad de compas aun mas liviano.
La edicion de Dover hara una diferencia aun mayor, ya que la ultima mitad de compas sera bastante expuesta para los primeros violines.
Dover tendra ritmicamente mas densa la parte baja del compas 26, mientras Eulenburg tendra una linea tenor en los fagots ritmicamente puntualizados por las cuerdas bajas.
Cosas para escuchar en las presentaciones.
Tratar de hacer una condensación de las maderas altas, trompas y segundos violines, para ver como este bloque de acordes apoya al resto de la orquesta y como ellos construyen ritmicamente hasta el compas 27.
En esta primera parte se vio Movimiento hacia Adelante, Division Ritmica, y Diferentes Pesos en la Orquestacion.
Una corta nota historica, antes de Mozart y la era clasica tuvimos la era barroca. El Barroco fue ampliamente escrito en grupos de 3 ejecutantes para cada seccion. La musica Clasica lo balanceo con 2 ejecutantes. La musica Barroca tenia un bajo pesado. Cada instrumento que podia tocaba la linea del bajo que era una especie de bajo caminando remarcando la armonia de una forma linear. Mozart hacia esto a menudo, pero el quiebra el patron al asignar la melodia a la seccion del bajo y quebrando la seccion ritmica como se explico antes.
2. Andante.
Al continuar con el segundo movimiento el emplea lo que en partitura de pelicula se llama su orquesta C. El primer movimiento tiene una gran orquesta por lo cual es su Orquesta A, y veremos que el tercer movimiento tiene una Orquesta entre medio.
Este movimiento es mayormente un movimiento de cuerdas con todos los vientos actuando como una sustancia cordal. Ya desde el principio, se ve que la linea del bajo esta formada solo por las cuerdas bajas, con movimientos ritmicos en los segundos violines y toda la reverberacion armonica - la mezcla - esta en los vientos. Al condensar los pasajes de los vientos vemos como ellos apoyan los 3 elementos de la seccion de cuerdas.
En la pagina 28 ( compas 17 ) los vientos hacen una pausa y dejan a las cuerdas con ellas mismas. Es como apagando la reverberacion y dejando a las cuerdas secas.
Un lindo toque es cuando los primeros violines comienzan staccatto, y luego continuan normal dandole a la Orquesta A un sentido de pegamento cuando la banda vuelve.
Veamos como sin ninguna indicacion dinamica, Mozart hace pesado cada primer tiempo de los segundos violines y las violas al ligar las primeras notas y prolongar la vocal de la frase - como se diria.
En el compas 32 vemos la mejor manera de escribir un trino.
aunque la armadura de clave nos dice donde hacer el trino, la nota entre parentesis nos ayuda con la lectura y en obras mas modernas, donde la nota no es tan obvia. Otra ventaja es que se puede hacer el trino a distancias mas grandes y en ambas direcciones.
En el primer movimiento Mozart
tenia una banda mas grande.
El tenia a los vientos de
madera que se encargaban de las armonias humedas, y los vientos de metal que se
encargaban de las armonias ritmicas junto con los timbales.
Al Andante se lo toma hoy a un
Tempo mucho mas lento, que el de la caminata energica de los tiempos de Mozart.
Es para destacar como las
grabaciones mas lentas tienden a arrastrar; mientras que las versiones mas energicas,
siempre que no se corra, parecen proveer una cierta direccion.
Especialmente como Mozart
consigue tanto la puntuacion como el fondo en su compas 2.
Todas las cuerdas tocan un
sorprendente sf mientras que los Vientos - ambos vientos de madera y trompas -
puntualizan el pulso aunque inmediatamente se reducen a un mero conjunto
acompańante con su sfp.
Seccion del Medio
Compas 36 (en la pagina 31)
comienza con la seccion del medio de la obra empezando a los 9m6s del video.
Los largos y sostenidos
vientos de madera son apoyados por la gentil pulsacion de las cuerdas altas.
Haz una condensacion de los 6
compases de los vientos y observa con que capacidad ellos apoyan y se dan
espacio entre ellos.
Aqui hay un ejemplo del primer
oboe sosteniendo la linea de los primeros violines una octava arriba.
Los cellos y bajos se vuelven
muy prominentes en esta seccion, como una suerte de melodia con sus acordes
arpegiados.
En este fragmento desde el
compas 38 al 41 las octavas ( Sol a Sol, Sol # a Sol # ), cambian el sonido
dramáticamente y ellas suenan diferente dependiendo de su ubicacion
ritmicamente.
Dos suceden ascendiendo en la
tercera corchea del compas, dos suceden ascendiendo al comienzo del compas, y
el último desciende.
En los proximos compases
nosotros vamos de p a f una y otra vez.
Esta foto del fagot/corno del
compas 43-44 lo resume.
3. Menuetto
" El Minuet y el Trio
eventualmente se volvieron el tercer movimiento estandar de la sinfonia clasica
de cuatro movimientos ".
Mozart paso muchos años
bailando el minuet ya que este era un baile popular entonces.
Forma Simple
Toda la primera pagina ( 37 )
esta repetida.
Luego las paginas 38 y 39
estan repetidas - siendo la pagina 39 lo mismo que la 37.
Esto crea una forma AABA.
En la pagina 40 comienza el
Trio y esta pagina se repite y sigue la pagina 41.
Entonces tenemos una nueva
forma AABA - que eventualmente es CCDC.
La ultima página contiene un
" Menuetto da capo " que significa comenzar desde el principio y
terminar justo antes del Trio.
Entonces una vez mas AABA.
La estructura general
entonces es ( AABA ) ( CCDC ) ( AABA ) = ABA
Cada A es identica asi como
cada B, C y D.
Esto hace el estudio de la
orquestacion bastante hacia adelante.
Instrumentación.
Recordemos cuando hablamos
sobre orquestas A, B y C.
Mozart agrego 2 trompetas y
timbales a su orquesta C.
Las faltantes maderas altas
necesarias para su orquesta A contribuye a darle espacio a los metales para
cortar al traves en el fuerte.
Si miramos la primera página
del Menuetto claramente vemos que esta dividido en 2.
Los primeros 4 compases son
compases fuertes y los últimos 4 son piano.
Que efectivamente estan orquestados.
Forte
La seccion Forte aqui es
realmente un bajo pesado.
El arpegio para comenzar lo
tocan: bajos, cellos, violas, trompetas, trompas y fagots en los compases 1 y
2.
Solo bajos, cellos, violas,
trompetas y fagots estan en los compases 3 y 4.
Esta es una forma muy sutil de
cambiar el peso desde la linea del pesado bajo hacia arriba.
En lugar de eso las trompas en
los compases 3 y 4 contribuyen con los oboes, violines y timbales para la
estructura de acorde que apoya la melodía.
Veamos todos esos Re's del
compas 1 de los timbales y violines.
Los oboes estan incluidos
alli.
Veamos como las trompas y los
oboes se ajustan con las triples detenciones de los violines.
En relacion con las posiciones
del violin.
Aunque estas triples
detenciones no se ajustan para las cuerdas abiertas naturalmente se adaptan a
la cuarta posicion.
Los primeros 4 compases
también tienen una pequeña forma ABA dentro de la orquestacion.
Los 3 pulsos de silencio en
los compases 2 y 3 deja a los violines solos y eso solo crea un fuerte
diminuendo.
Solo esto con la ruptura de la
fuerte linea del bajo de los compases 3 y 4 le da a ellos un rango dinamico muy
orquestal.
Solo estos 4 compases son
actualmente el 15 % del Menuetto.
Sobre el Autor del Analisis
Thomas Bryla, personal bio.
Orquestador
Compositor
Jorge, muy completo tu trabajo! me gusto que incluyas grandes directores, entre ellos a la directora Nathalie Stutzmann que es una de mis favoritas! Cual de todas las versiones te gustan mas? y porque?
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